سال ۲۰۲۶ برای سینمای وحشت با فیلم‌هایی خلاقانه و تحسین‌شده همراه بوده است. آثاری مانند Obsession و Backrooms با استقبال مخاطبان روبه‌رو شده‌اند و فیلم‌هایی مثل Undertone و 28 Years Later: The Bone Temple نیز توانسته‌اند تجربه‌هایی متفاوت از ترس و دلهره ارائه دهند. در ادامه، پنج فیلم ترسناک برجسته سال را مرور می‌کنیم.
ژانر وحشت در سال گذشته عملکردی فراتر از انتظار داشت. برخی از فیلم‌های این ژانر نه‌تنها در گیشه موفق بودند، بلکه توانستند توجه جوایز مهم سینمایی را نیز جلب کنند. ایمی مدیگان برای بازی در نقش عمه گلادیس در فیلم Weapons جایزه اسکار بهترین بازیگر نقش مکمل زن را دریافت کرد و رایان کوگلر نیز برای Sinners برنده اسکار بهترین فیلمنامه اورجینال شد. در کنار این دو اثر، فیلم‌هایی مانند Final Destination: Bloodlines، Good Boy و Together نیز از آثار تحسین‌شده سال ۲۰۲۵ بودند.
این روند در سال ۲۰۲۶ هم ادامه پیدا کرده است. فیلم Obsession محصول Focus Features با بودجه‌ای تنها ۷۵۰ هزار دلاری، بیش از ۲۲۵ میلیون دلار فروش داشته است. این فیلم همچنین به نخستین اثری پس از E.T. the Extra-Terrestrial تبدیل شد که فروش هفته دوم و سوم اکران آن از هفته نخست بیشتر بود.
یک هفته پس از آن، استودیوی A24 فیلم Backrooms را روانه سینماها کرد. این اثر خیلی زود به پرفروش‌ترین فیلم تاریخ این استودیو تبدیل شد و کین پارسونز ۲۰ ساله را به‌عنوان فیلمسازی مستعد مطرح کرد.
موفقیت Obsession و Backrooms را می‌توان تا حد زیادی به کیفیت ساخت و توانایی آن‌ها در ایجاد ترس واقعی نسبت داد. هر دو فیلم به سراغ ایده‌هایی تازه رفته‌اند و مخاطبانی را جذب کرده‌اند که از آثار خلاقانه و متفاوت در ژانر وحشت استقبال می‌کنند. البته فهرست فیلم‌های برجسته امسال به این دو عنوان محدود نمی‌شود.
۵. Send Help
سم ریمی پس از ۱۷ سال دوری از ژانر وحشت، با فیلم Send Help به این عرصه بازگشته است؛ اثری که بسیاری از انتظارات طرفداران او را برآورده می‌کند و میان ترس، هیجان و طنز سیاه تعادل برقرار می‌سازد.
این فیلم از آثاری مانند Cast Away، Evil Dead 2 و War of the Roses الهام گرفته است. داستان آن با وارونه شدن رابطه قدرت میان یک کارمند خجالتی و رئیس زن‌ستیزش شکل می‌گیرد و موقعیت‌هایی هم خنده‌دار و هم نگران‌کننده به وجود می‌آورد.
ریچل مک‌آدامز در نقشی متفاوت ظاهر شده و شخصیتی منزوی و عجیب را به تصویر می‌کشد که به‌تدریج رفتاری غیرقابل‌پیش‌بینی پیدا می‌کند. در مقابل، دیلن اوبراین نقش رئیسی را بازی می‌کند که به کابوس هر کارمندی شباهت دارد و خنده‌هایش یادآور ری لیوتا است.
بخش مهمی از جذابیت Send Help به درگیری‌های پیوسته دو شخصیت اصلی و تغییر مداوم رابطه آن‌ها مربوط می‌شود. با این حال، زیر لایه طنز داستان، فضایی تاریک و آزاردهنده جریان دارد. مشکل اصلی فیلم این است که ریتم نسبتاً کند آن باعث می‌شود عناصر ترسناک دیرتر از حد انتظار وارد داستان شوند.
با وجود این ایراد، Send Help نشان می‌دهد سم ریمی همچنان در ترکیب وحشت، کمدی و موقعیت‌های ناخوشایند مهارت دارد. او موفق شده فیلمی بسازد که تماشاگر را هم‌زمان بخنداند، بترساند و معذب کند.
۴. Backrooms
کین پارسونز در ۲۰ سالگی توانسته است فضای ترسناک و ناآرام Backrooms را از دنیای ویدیوهای یوتیوب و بحث‌های ردیت به پرده سینما منتقل کند. نتیجه کار، فیلمی است که شاید در شخصیت‌پردازی چندان موفق نباشد، اما در ایجاد اضطراب و دلهره عملکرد چشمگیری دارد.
یکی از مهم‌ترین نقاط قوت فیلم، طراحی صحنه دنی ورمت است. او در کنار پارسونز، محیط‌هایی را خلق کرده که با معماری گیج‌کننده، نورپردازی خاص و جزئیات غیرعادی، احساس ناامنی را به مخاطب منتقل می‌کنند.
فضاهای ظاهراً بی‌خطر و اتاق‌هایی که گویی پایانی ندارند، به‌تدریج ماهیتی تهدیدآمیز پیدا می‌کنند. برخی جزئیات کوچک نیز با منطق معمول سازگار نیستند و همین مسئله به فیلم حال‌وهوایی وهم‌آلود و حتی وجودی می‌دهد.
پارسونز همچنین توانسته میان وفاداری به منبع اصلی و قابل‌فهم بودن داستان برای مخاطبان تازه‌وارد تعادل برقرار کند. برخلاف برخی اقتباس‌ها، از جمله The Super Mario Galaxy Movie و Five Nights at Freddy’s 2، فیلم برای درک شدن به آشنایی قبلی با جهان Backrooms نیاز ندارد؛ در عین حال، طرفداران قدیمی این پدیده اینترنتی نیز می‌توانند از فضای آن لذت ببرند.
ریتم کند در برخی بخش‌ها و ضعف شخصیت‌پردازی از مشکلات Backrooms هستند. با این حال، تازگی ایده‌ها و جسارت فیلم در ورود به فضایی انتزاعی و یادآور آثار دیوید لینچ، آن را به تجربه‌ای ماندگار تبدیل کرده است.
۳. Undertone
فیلم Undertone نشان می‌دهد که طراحی صدا می‌تواند به یکی از مؤثرترین ابزارهای ایجاد وحشت در سینما تبدیل شود. این اثر محصول A24 با تکیه بر صداهای ناآشنا، سکوت‌های طولانی و فضاسازی حساب‌شده، تجربه‌ای متفاوت از ترس ارائه می‌دهد.
ایان تواسون که نویسندگی و کارگردانی فیلم را بر عهده داشته، در نخستین تجربه کارگردانی خود از افزایش تدریجی تنش استفاده می‌کند. او برخلاف بسیاری از فیلم‌های ترسناک، به‌ندرت برای ترساندن مخاطب به جامپ‌اسکرهای ناگهانی متوسل می‌شود.
در عوض، فیلم اجازه می‌دهد اضطراب به‌آرامی افزایش پیدا کند. درست زمانی که تماشاگر انتظار دارد اتفاقی ناگهانی رخ دهد، فرصتی کوتاه برای آرامش پیدا می‌کند. این بازی مداوم با انتظار مخاطب، تأثیر روانی صحنه‌ها را افزایش می‌دهد.
البته قدرت Undertone فقط به طراحی صدا محدود نیست. حرکت دوربین نیز نقش مهمی در ایجاد فضای ناامن فیلم دارد. دوربین در بسیاری از صحنه‌ها به‌آرامی در اتاق‌ها حرکت می‌کند و روی گوشه‌های تاریک یا فضاهای خالی مکث دارد. حتی زمانی که اتفاق مشخصی رخ نمی‌دهد، این تصاویر حس می‌کنند چیزی در محیط حضور دارد که هنوز دیده نشده است.
فیلم در برخی جنبه‌های مربوط به اسطوره‌شناسی و مضامین داستانی به نتیجه مطلوب نمی‌رسد، اما پرده پایانی آن دوباره قدرتش را نشان می‌دهد. تنش در این بخش به اوج می‌رسد و عناصر صوتی و بصری در کنار یکدیگر، پایانی کابوس‌وار خلق می‌کنند.
Undertone از آن دسته فیلم‌هایی است که می‌تواند نگاه مخاطب به نقش صدا در سینمای وحشت را تغییر دهد. این اثر با فاصله گرفتن از الگوهای تکراری، تجربه‌ای اصیل و به‌یادماندنی ارائه می‌کند.
۲. Obsession
ایده «مراقب آرزوهایت باش، چون ممکن است برآورده شوند» بارها در فیلم‌های ترسناک استفاده شده است، اما کری بارکر در نخستین فیلم بلند خود رویکرد متفاوتی به این مفهوم دارد.
Obsession در ابتدا اثری عجیب و گاهی خنده‌دار به نظر می‌رسد، اما هرچه داستان پیش می‌رود، فضای آن تاریک‌تر و آزاردهنده‌تر می‌شود. فیلم به‌تدریج نشان می‌دهد که تحقق یک آرزو لزوماً به معنای رسیدن به خوشبختی نیست و گاهی می‌تواند پیامدهایی هولناک داشته باشد.
تقریباً هیچ صحنه‌ای در فیلم بی‌هدف به نظر نمی‌رسد. Obsession در برخی جنبه‌ها یادآور آثار زک کرگر، به‌ویژه Barbarian، است؛ فیلم‌هایی که از طنز سیاه و موقعیت‌های ناراحت‌کننده برای پرداختن به خودخواهی انسان‌ها و رفتار آن‌ها در مواجهه با بدبختی دیگران استفاده می‌کنند.
این اثر در کنار ایجاد ترس، پرسش‌هایی جدی درباره رضایت، خشونت در روابط عاطفی و مرز میان عشق و وسواس مطرح می‌کند. یکی از پرسش‌های محوری داستان این است که شخصیت اصلی از چه زمانی از جایگاه قربانی خارج می‌شود و خودش به عامل اصلی آسیب تبدیل می‌شود.
موفقیت فیلم تا حد زیادی به بازی ایندی ناوارته وابسته است. این بازیگر که در سریال Superman & Lois نیز حضور داشته، به‌خوبی دو چهره متفاوت از شخصیت نیکی را به نمایش می‌گذارد؛ یکی پیش از تحقق آرزو و دیگری پس از آن.
تغییرات رفتاری نیکی، خنده‌های شیطانی و واکنش‌های غیرقابل‌پیش‌بینی او، از عناصر تأثیرگذار فیلم هستند. اجرای ناوارته به شخصیت عمق می‌دهد و باعث می‌شود صحنه‌های مهم فیلم مدت‌ها پس از پایان آن در ذهن مخاطب باقی بمانند.
Obsession همچنین از آن دسته آثاری است که پس از تماشایش می‌توان درباره جزئیات و مفاهیم آن بحث کرد. این فیلم یکی از مدعیان احتمالی فصل جوایز آینده به شمار می‌رود و بازی ناوارته نیز می‌تواند توجه رأی‌دهندگان اسکار را جلب کند.
استودیوی A24 از همین حالا کری بارکر را برای بازآفرینی The Texas Chainsaw Massacre انتخاب کرده است. توانایی او در ترکیب‌بندی تصاویر، شناخت سلیقه مخاطبان امروز و کشف استعدادهای بازیگری، نشان می‌دهد که آینده‌ای قابل‌توجه در سینمای وحشت پیش رویش قرار دارد.
۱. 28 Years Later: The Bone Temple
نیا داکوستا پس از موفقیت فیلم 28 Years Later، با دنباله‌ای بازگشته است که از آن به‌عنوان یکی از بهترین آثار مجموعه یاد می‌شود. او توانسته میان سبک خشن و واقع‌گرایانه دنی بویل و نگاه بصری شخصی خود تعادل برقرار کند. در نتیجه، The Bone Temple هم به جهان آشنای مجموعه وفادار می‌ماند و هم هویتی مستقل پیدا می‌کند.
یکی از تصمیم‌های مهم داستانی به فیلمنامه الکس گارلند مربوط می‌شود. او مبتلایان به ویروس خشم را تا حدی به حاشیه می‌راند و سر لرد جیمی کریستال را به تهدید اصلی داستان تبدیل می‌کند. این انتخاب زمینه‌ساز شکل‌گیری یکی از بی‌رحم‌ترین شخصیت‌های منفی سال‌های اخیر شده است.
این شخصیت چنان تأثیرگذار است که حتی درخشش جک اوکانل در نقش رمیک در فیلم Sinners نیز نمی‌تواند به‌آسانی توجه مخاطب را از او منحرف کند.
The Bone Temple از نظر خشونت، تاریکی و لحظات آزاردهنده، حتی از قسمت‌های قبلی نیز فراتر می‌رود. با این حال، فیلم فقط به ایجاد ترس بسنده نمی‌کند و در بخش‌هایی طنز و احساسات بیشتری را به داستان وارد می‌کند.
بخش مهمی از این ویژگی به شخصیت دکتر کلسون با بازی رالف فاینز مربوط می‌شود. او در نقطه مقابل سر جیمی قرار می‌گیرد و در جهانی پر از ویرانی، نشانه‌هایی از مهربانی، انسانیت و امید را زنده نگه می‌دارد.
صحنه‌های مشترک فاینز و چی لوئیس‌پری در نقش سامسون، از نظر احساسی تأثیر زیادی دارند. این لحظات با بازی‌های قدرتمند و کارگردانی دقیق داکوستا جان می‌گیرند و به فیلمنامه الکس گارلند عمق بیشتری می‌بخشند.
فیلم در پایان نیز مخاطب را ناامید نمی‌کند. فینال پرهیجان آن با بازی چشمگیر رالف فاینز همراه می‌شود و یک سکانس موزیکال غیرمنتظره، فضای تاریک و طنزآمیزی ایجاد می‌کند. همچنین حضور کوتاه کیلین مورفی در بخش پایانی، پیوند فیلم با داستان مجموعه را تقویت می‌کند.
در میان آثار ترسناک سال ۲۰۲۶، The Bone Temple ترکیبی از خشونت، احساسات، طنز و هیجان ارائه می‌دهد. نیا داکوستا با ساخت این دنباله نشان داده است که می‌توان ضمن حفظ هویت یک مجموعه شناخته‌شده، مسیرهای تازه‌ای را نیز در داستان‌گویی و فضاسازی امتحان کرد.
